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El mundo real da origen al mundo imaginario, dos mundos posibles que no tienen que ser mejor o peor entre sí, simplemente distintos, construidos con distintos códigos y con base en diferentes modalidades.
Dice Adorno. “Las obras de arte se salen del mundo empírico y crean otro mundo con esencias propias y contrapuestas al primero, como si este mundo tuviera consistencia ontológica”
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Exoplaneta se refiere a un planeta que orbita alrededor de otra estrella de tipo solar que no pertenece a nuestro sistema.
Esto habla de un universo sin centro en el que podrían existir millones de millones de otras tierras. Lo que nos llevaría a reconsiderar nuestra existencia terrestre en una perspectiva cósmica.
En esta obra replanteo la antigua pregunta ¿estamos solos en el universo?
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CIRCULO VASTO
DE ORO Y PLEGADO
UN NUEVO ORBE
La serie ORIENTE–PONIENTE explora el dibujo sobre papel plegado como una narrativa visual donde dialogan el Kintsugi, el Origami y el Haiku, entendidos no solo como técnicas, sino como expresiones de una filosofía que valora la austeridad, la imperfección y la transformación. A través de pliegues, trazos mínimos y líneas doradas, la obra reflexiona sobre la fragilidad y la fuerza, la memoria de las fracturas y la belleza que emerge de ellas. Esta reinterpretación contemporánea de saberes ancestrales japoneses propone un espacio de equilibrio entre tradición y presente, donde palabra, materia y gesto se integran para dar forma a un universo poético y en constante mutación..
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La serie Cosmonave explora la idea de espacios habitables en un territorio sin referencias estables. Las obras presentan estructuras mínimas que flotan en un vacío indeterminado, como refugios posibles en un entorno sin coordenadas precisas. Más que objetos definidos, estas formas funcionan como hipótesis de habitar lo incierto, donde la noción de orientación, escala y pertenencia permanece abierta.
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La liminidad no es solo transición, sino también potencialidad, no solo lo que va a ser, sino también lo que puede ser” Víctor Turner.
Constructo Laminal es una exploración profunda de los límites entre el espacio concreto y abstracto, lo bidimensional y lo tridimensional, lo conceptual y lo tangible. Estos espacios existen en un umbral entre lo concreto y lo abstracto, lo que se ha ido y lo que está por llegar, lo arquitectónico y lo artístico. La obra busca desafiar las percepciones tradicionales del espacio y la forma, invitando al espectador a cuestionar y re imaginar las fronteras entre diferentes dimensiones y conceptos.
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El módulo funciona como unidad de origen del conjunto. A partir de su repetición y variación, los elementos se vinculan entre sí generando una trama en expansión, sin jerarquías ni direcciones únicas. No hay principio ni fin: cada parte puede incidir sobre las demás, conformando una red acentrada y no lineal. En diálogo con la noción de rizoma propuesta por Deleuze, la serie plantea un sistema abierto, de crecimiento múltiple y direcciones cambiantes. La obra es un susurro en un mundo ruidoso. Un refugio para la mente que busca paz y claridad. Siente la calma.
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El módulo funciona como unidad de origen del conjunto. A partir de su repetición y variación, los elementos se vinculan entre sí generando una trama en expansión, sin jerarquías ni direcciones únicas. No hay principio ni fin: cada parte puede incidir sobre las demás, conformando una red acentrada y no lineal. En diálogo con la noción de rizoma propuesta por Deleuze, la serie plantea un sistema abierto, de crecimiento múltiple y direcciones cambiantes. La obra es un susurro en un mundo ruidoso. Un refugio para la mente que busca paz y claridad. Siente la calma.
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La serie Fragmentos de una historia inconclusa puede leerse como la ruptura de la idea tradicional de casa y de hogar entendido como espacio estable y seguro. Las formas, que remiten a volúmenes arquitectónicos, aparecen disgregadas, suspendidas en un espacio sin gravedad ni apoyo firme. Ya no hay un suelo que ordene ni una estructura que contenga: el habitar se vuelve transitorio, inestable, abierto.
Estos fragmentos funcionan como restos de una construcción previa que ya no puede recomponerse en una unidad cerrada. Cada volumen conserva huellas de interior —aberturas, planos de color, direcciones—, pero se presenta aislado, desplazado, en constante tensión con los demás. La fragmentación no implica ausencia, sino transformación: lo que se quiebra da lugar a nuevas posibilidades de relación.
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SHIP SKY HOUSE nombra una serie de arquitecturas improbables: naves que no navegan, casas suspendidas, espacios que no pertenecen del todo ni al cielo ni a la tierra.
Como en las heterotopías de Foucault, estos dispositivos construyen "otro lugar": un espacio real pero desajustado, donde las escalas se alteran y la orientación se vuelve relativa.
El cuerpo aparece implícito como medida: aquello que permite habitar, pero también evidencia la desproporción entre lo humano y lo cósmico. Todo existe en relación a otra cosa.
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Inspirada en la teoría copernicana como cambio de paradigma, esta obra propone un sistema donde el centro deja d estar fijo. Las piezas suspendidas configuran un equilibrio inestable, donde cada elemento afecta y es afectado por el movimiento del conjunto. No hay jerarquías estables ni posiciones privilegiadas: el orden surge del desplazamiento y la interacción.
NEW COPERNICO no representa el cosmos, sino que lo traduce en una experiencia espacial donde mirar implica aceptar que el punto de referencia siempre puede cambiar.
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El módulo funciona como unidad de origen del conjunto. A partir de su repetición y variación, los elementos se vinculan entre sí generando una trama en expansión, sin jerarquías ni direcciones únicas. No hay principio ni fin: cada parte puede incidir sobre las demás, conformando una red acentrada y no lineal. En diálogo con la noción de rizoma propuesta por Deleuze, la serie plantea un sistema abierto, de crecimiento múltiple y direcciones cambiantes. La obra es un susurro en un mundo ruidoso. Un refugio para la mente que busca paz y claridad. Siente la calma.
Punto, línea, plano y volumen definen el universo creativo de Gabriela Pelaez. Su práctica artística se centra en la exploración de la geometría como lenguaje y en la construcción de sistemas visuales donde conviven orden, repetición y variación. A través de la fusión de técnicas, materiales y conceptos, su obra propone estructuras abiertas que remiten a tramas, redes y vínculos con lo cósmico.
Se formó durante más de dos décadas junto a Eduardo Medici (1997–2020) y complementó su formación en la Escuela de Proyecto de ARTE x ARTE y en la Residencia ELF – Escuchar La Fotografía. Desde 2022 integra el grupo autogestionado de arte SHUBUMI.
Ha expuesto en instituciones, museos, galerías y ferias de Argentina y el exterior, entre ellos el Centro Cultural Borges, Museo Banco Provincia, Museo Nacional de Bellas Artes de Luján, MAC de Avellaneda, Expo Trastiendas y Expo Punta del Este. Ha sido seleccionada y premiada en salones nacionales y bienales, y su obra forma parte de colecciones privadas. Actualmente está representada por la galería Praxis Art.
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